Ennio Morricone
L’esorcista II – L’eretico (Exorcist II The Heretic, 1977)
Perseverance Records PRR 042
13 brani – Durata: 35’06”

Pochi altri sequel nella storia del cinema hanno marcato una differenza così netta, radicale rispetto al capitolo di partenza, come è accaduto per L’esorcista II – L’eretico di John Boorman nei confronti del predecessore L’esorcista di William Friedkin, di quattro anni prima. Quanto quest’ultimo avviava il cosiddetto (e poi abusatissimo) filone “demoniaco” all’interno del genere horror in un clima cupo e claustrofobico, tormentato e scettico, tanto il seguito ne riprese lo spunto in una accezione antropologica e visionaria, secondo le predilezioni multietniche del regista inglese, accentuando d’altro canto gli aspetti simbolici e sociologici del soggetto iniziale di William Peter Blatty.

La lista dei premiati agli ultimi Nastri d'Argento 2012 (in rosso i vincitori nelle categorie miglior colonna sonora e canzone):

Regista del miglior film: Paolo SORRENTINO This must be the place;

Miglior regista esordiente: Francesco BRUNI Scialla!;

Produttore: Domenico PROCACCI (Fandango) Diaz;

Commedia: POSTI IN PIEDI IN PARADISO di Carlo VERDONE;

Nino Rota
8 1/2 (1963)
Sugar Music (SUGAR 3)
12 brani - Durata: 42’ 22”

Tra le opere del folto catalogo di CAM, storica casa discografica romana leader nel campo della musica per il cinema, che la Sugar Music ha di recente acquistato, figura anche 8 1/2, colonna sonora dell'omonimo lungometraggio, diretto da Federico Fellini ed interpretato magistralmente da grandissimi attori come Marcello Mastroianni e Claudia Cardinale, scritta da Nino Rota nel 1963.

Grande serata al Teatro San Carlo con Moretti, Piersanti e Piovani

Dopo la prima romana avvenuta nel giugno del 2011 nel presuntuoso squallore del Parco della Musica, il “Concerto Moretti”  è approdato lo scorso 23 giugno nella sontuosa e impareggiabile cornice del Teatro San Carlo a Napoli  che ha accolto uno straripante pubblico, attento e caloroso.
Carismatica figura del mondo cinematografico italiano e internazionale, Nanni Moretti assistendo a un concerto in cui il Maestro Franco Piersanti dirigeva anche alcune partiture  composte per i suoi lavori è giunto all’idea di realizzare un programma musicale riferito ai suoi film con l’inserimento della proiezione di clips e recitazione di dialoghi e monologhi.
Il regista-attore, oltre a Franco Piersanti cui è legato da un pluriennale rapporto artistico, ha coinvolto nella intrigante operazione anche un altro grande musicista come Nicola Piovani con cui ha intensamente lavorato per alcuni anni.
L’universo psicologico, politico, religioso e esistenziale di Moretti autobriograficamente riflesso in personaggi portatori di una pungente critica sociale  e di sentite  istanze morali  è colto a livello musicale dai due compositori in vesti stilistiche differenti che si allacciano alle rispettive sensibilità e percorsi formativi e artistici.

Roberto Calabretto
Antonioni e la musica
Saggi Marsilio, 2012, pagg. 206, € 20
http://www.marsilioeditori.it/

«Da ragazzo suonavo il violino ma non amo la musica nel film». Al di là dell’evidente assenza di nesso logico fra la prima confidenza e la seconda asserzione, questa frase di Michelangelo Antonioni predispone apparentemente piuttosto male ad un’analisi del ruolo svolto dall’elemento musicale nel suo cinema. A questo primo impatto respingente si sommano ulteriori, ben note prese di posizione del regista ferrarese – sin da quando esercitava l’attività di critico e poi, più tardi, come cineasta – nei confronti di qualunque elemento della sintassi filmica che venisse percepito come “estraneo”, anti-realistico, troppo facilmente emozionale o comunque artificioso rispetto a quella poetica della sottrazione e della rarefazione che è sempre stata l’asse portante della sua opera (sono note anche le invettive di Antonioni contro il doppiaggio, indicato come altro fattore di “falsificazione” e alterazione di una presunta e non ben definibile “essenzialità” o “verità” del racconto filmico).

LOVE AT FIRST BITE
Charles Bernstein 
Etichetta: Intrada Special Collection Volume 203
Data: 1979
Brani: 24
Durata = 56:16

STAGECOACH / THE LONER: LIMITED EDITION LLLCD 1215
Musica di Jerry Goldsmith
Edizione limitata a 2000 copie

L’eleganza neoromantica alla “francese” di una carriera illustre: Intervista esclusiva al padre cinemusicale di Love Story, Francis Lai

Colonne Sonore, grazie all’amico compositore Marco Werba che è andato a Parigi ad incontrarlo, ha avuto l’immenso onore di poter intervistare il grande compositore francese Francis Lai, autore di molteplici colonne sonore di successo. Il celebre Maestro (nato a Nizza il 26 aprile del 1932) è noto ai più per la sua partitura da Oscar per l’arcinota storia strappalacrime Love Story di Arthur Hiller e per il suo lungo sodalizio (ben 33 film insieme!) con il famoso regista francese Claude Lelouch. Lai nella sua lunga carriera come musicista, arrangiatore, compositore e cantautore (le sue canzoni sono state interpretate da celebrità quali Edith Piaf, Mireille Mathieu, Charles Aznavour, Ella Fitzgerald e Yves Montand, giusto per citarne alcuni!) ha frequentato diversi ambienti musicali, dai night club alle balere, dalla radio alla televisione. Proprio grazie a Lelouch approda al cinema divenendo celebre con la OST di Un uomo, una donna (Un Homme et une femme, 1966), con un leitmotiv altamente melodico divenuto un vero e proprio tormentone a quell’epoca e che tuttora rappresenta il tema d’amore nostalgico e straziante per eccellenza, abusato in tv e in molti altri ambienti appositamente per simboleggiare l’amore tormentato (lo stesso si può dire, e se ne accentua la percezione, per il leitmotiv di Love Story, Ndr).

Marc Streitenfeld, Harry Gregson-Williams
Prometheus (Id., 2012)
Sony Masterworks 197834
25 brani – Durata: 56’55”

Si può scegliere tra due percorsi per un’analisi di questa ultima partitura al servizio di un film di Ridley Scott (e un discorso analogo, pur con qualche distinguo, si potrebbe svolgere per la filmografia del fratello Tony). Il primo riguarda la sostanza stessa del cinema dell’autore di Alien, Blade Runner e Hannibal: che è un cinema fatto, pensato, rappresentato intorno al concetto centrale di “luce”. Luce come elemento drammaturgico, epico, narrativo, luce come cuore pulsante di una visione metafisica dell’universo, luce che si differenzia per generi, occasioni e atmosfere ma che rimane sempre il soffio vitale e visionario dello sguardo. Tutto, in Ridley Scott, afferisce alla luce, musica compresa. La musica deve divenire parte della luce, modellarsi e interagire su di e con essa (i chiaroscuri di Zimmer in Hannibal, il suo esotismo techno e translucido in Black Rain, la sua tragica solarità in Il Gladiatore, lo sfavillante onirismo delle tastiere di Vangelis in Blade Runner e i suoi spiazzanti anacronismi in 1492: la conquista del Paradiso, gli incubi dissonanti e nerissimi di Goldsmith in Alien e rutilanti di fantasy in Legend, e così via).

Andrea Morricone
L’industriale (2011)
Emergency Music EM 2012-01
19 brani  - durata: 60'00" 

L’industriale, recente lavoro di Giuliano Montaldo, è un film splendido. Lo rendono tale una imponente realizzazione estetica e interpretativa e il forte impegno civile e ideologico del dramma sociale e umano rappresentato nella suggestiva sceneggiatura dai  forti  contorni dostojevskiani.
Il suo film disturba. Lo dimostra la frettolosa distribuzione nella rete cinematografica del nostro paese e la superficialità  e la noncuranza con cui i media – salvo rare eccezioni – si sono occupati del lavoro.