Alan Silvestri talks to Colonne Sonore about his magnificent 2007: the warming celebrations in Castell’Alfero, the success of his premiere concert in Madrid, the challenge of Beowulf.

Since our last interview on November 2005, Alan Silvestri scored three movies: The Wild, Night at the Museum and Beowulf, the 12th picture of his lasting collaboration with Robert Zemeckis. But much more happened in the meanwhile.

Alan Silvestri racconta a Colonne Sonore il suo magnifico 2007: le calorose celebrazioni a Castell’Alfero, il successo del debutto concertistico madrileno, la sfida di Beowulf.

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Dal novembre del 2005, quando lo avevamo intervistato per la prima volta, Alan Silvestri ha firmato i commenti di tre film: Uno zoo in fuga, Una notte al museo e Beowulf, dodicesimo lungometraggio dell’inossidabile collaborazione con Robert Zemeckis. Ma nel frattempo è successo molto di più.

"Horror Soundtrack": La musica e il cinema Horror - Parte 3

Cap.3 - Gli anni della svolta

La musica dovrebbe fare l’effetto di una mano gelida sulla nuca, una presenza fredda che non si rende mai riconoscibile se non nell’affermazione finale sui titoli di coda.
William Friedkin

1. Romero e la nuova visione

La notte dei morti viventi (1968) di George A. Romero chiude il periodo dei classici dell’horror gotico derivanti dalla tradizione letteraria romantica. Il film è il sessantotto dell’horror che permette al genere di penetrare a tutti gli effetti nella contemporaneità e di nutrirsi di metafore e significati di natura politico-sociale. L’orrore di Romero, secondo uno schema narrativo derivante dal romanzo di Richard Matheson I Am Legend, abbandona il soprannaturale per diventare “scientifico”, razionalmente spiegabile, per quanto assurdo e impensabile. Romero girò il film con scarsità di mezzi e un budget limitatissimo, utilizzando attori non professionisti e portando il genere fuori dagli studios. Il suo film inoltre risente delle nuove forme di visualità introdotte dal medium televisivo. Le riprese furono effettuate in un bianco e nero sgranato, con movimenti di macchina a spalla, in uno stile quasi documentario che ricordava l’automaticità televisiva delle inquadrature e rimandava ai reportage giornalistici e ai cinegiornali che in quello stesso periodo giungevano dal Vietnam.

Dalla 64esima Mostra di Venezia: Intervista a Todd Haynes
I’m not there

Quando la vita di un’icona rock diviene leggenda.

I’m not There (Io non sono qui), titolo della pellicola "ispirata alle molte vite di Bob Dylan" (come da premessa iniziale nel film) e firmata da Todd Haynes (Velvet Goldmine, Superstar), è anche il titolo di un brano inedito, registrato a Woodstock dallo stesso Dylan con The Band nel 1967 nelle session per "The Basement Tapes".

"Horror Soundtrack": La musica e il cinema Horror - Parte 2

Cap. 2 -  Il caso Psycho

Non soltanto l’immagine, ma anche il suono deve conservare l’emozione.
Alfred Hitchcock

Nel periodo descritto del sinfonismo post-romantico hollywoodiano, emerse un compositore che, a partire dagli anni ‘40, rinnovò la scrittura musicale per il cinema. Bernard Herrmann avviò un  processo di attualizzazione del linguaggio musicale considerato ancora esemplare, soprattutto per la stretta interazione che stabilisce tra componenti visive e sonore. Herrmann, sin da Quarto potere di Orson Welles (1941), per il quale utilizzò piccoli gruppi di strumenti cui affidò un gioco sottile di leitmotiv, impose il proprio stile personale “costruito intorno a motivi melodici molto semplici che sembrano non dover mai risolversi e un’orchestrazione che privilegia il registro grave dei fiati a svantaggio del lirismo degli strumenti a corda.” (16)

"Elisa, una voce: espressione dell'anima!"

Elisa Toffoli di Monfalcone, in arte solamente "Elisa", è una cantautrice friulana che ha saputo distinguersi con successo nella scena musicale italiana degli ultimi dieci anni. Inizia la sua carriera debuttando nel 1997 con l'album "Pipes & Flowers", al quale seguiranno altri quattro album di successo, ("Asile´s World" ,
"Then Comes the Sun", "Lotus" "Pearl Days"), e il recente Greatest Hits "Soundtrack '96 - '06" (disco di diamante con oltre seicentomila copie vendute).

"Horror Soundtrack"
La musica e il cinema Horror - Parte 1

Introduzione

L'Horror è uno dei generi cinematografici in cui maggiormente la musica costituisce un fondamentale elemento espressivo per la resa complessiva del significato filmico. Molto spesso essa non definisce semplicemente un accompagnamento sonoro per le immagini, ma entra in stretto rapporto con esse, creando un contesto poliespressivo che ne modifica radicalmente la funzione e la fruizione. La musica non si limita ad appoggiare ciò che già si vede sullo schermo, ma riesce ad esprimere ciò che da sola l'immagine non esprime, restituendone il significato inespresso.
Per facilitare il processo comunicativo, la colonna sonora cinematografica sfrutta la cosiddetta “musica di genere”, allo scopo di suggerire immediatamente connotazioni di ambientazione, una musica legata a stilemi linguistici precisi e facilmente riconoscibili, che il cinema ha largamente diffuso presso il vasto pubblico.

A chi le domandava cosa volesse fare da grande, la piccola Rosario Dawson (9 maggio 1979, New York) rispondeva: la biologa marina. Ma il destino, o forse il caso, ha scelto per lei, tanto che le è bastato fare una passeggiata per le strade di New York per essere notata da un agente e ritrovarsi poco dopo sul set di Kids. In seguito, per lei, solo successi. Del resto nelle sue vene scorre sangue portoricano, cubano, africano, irlandese e indiano. Un mix esplosivo come la sua prorompente fisicità che le ha permesso di farsi notare da Spike Lee, tatuandosi così nella memoria degli spettatori con una semplice camminata.

Michael Moore ha il merito di aver trasformato il documentarismo americano in una formidabile macchina di controinformazione e di propaganda. La sua convinzione di dire ‘solo la verità e nient’altro che la verità, lo hanno trasformato in un fenomeno cinematografico, mediatico e letterario pressoché unico. D’altronde la sua carriera è sempre stata contrassegnata da una feroce satira contro il potere delle classi dominanti. Lui, che aveva iniziato a dar nell’occhio nel 1989, con Roger e io (dove attaccava la General Motors), quando, nel 2002, vince l’Oscar con Bowling a Columbine (in cui aveva preso di mira le lobby statunitensi delle armi) è già l’idolo dell’America resistente.

Solo un nome: Jane Birkin (Londra, 14 dicembre 1946). Un mito. Quello di una ragazza alta e filiforme, dai lunghi capelli castani con frangetta, dalle minigonne audaci e dal sorriso contagioso. Simbolo della swinging London degli anni '60, dell’emancipazione femminile e della sensualità, Jane fu scoperta (in senso letterale) da Michelangelo Antonioni in Blow-up nel 1966, e poi ulteriormente resa oggetto del desiderio da Serge Gainsbourg, con cui incise nel 1969 “Je t'aime, moi non plus” (canzone ad alto tasso erotico da cui verrà tratto un film).

Oggi, alla soglia dei 60 anni, Miss Birkin è ancora una ragazzina androgina dal passo pesante e maschile che ha deciso di raccontare la sua “esagerata” vita personale e artistica (tre figlie, quattro compagni, una quindicina di dischi, sei spettacoli teatrali, più di cinquanta film come attrice e due come regista) in un film, Boxes, presentato in occasione del 60º Festival di Cannes. "Volevo fare un film sulla crisi di una donna che vive un momento terribile e che si domanda: Cosa accadrà adesso? Avrò diritto ad un ultimo amore o sarà solo un ricordo? Qualcuno avrà ancora voglia di baciarmi?"