La cantautrice Dolcenera ha adattato e interpretato due brani della colonna sonora del film Le Plus Beau Jour De Ma Vie (Finchè Nozze Non Ci Separino), film vincitore del Cavallo di Leonardo per il miglior film e miglior sceneggiatura al MIFF -Film Festival Internazionale di Milano- 2007. Dopo Los Angeles, il meglio del MIFF (festival che promuove il cinema indipendente italiano e internazionale a Milano favorendo la circolazione delle opere dei vari cineasti e promovendo la città di Milano oltre oceano con la tre giorni del Miff’s Best di Los Angeles) è sbarcato in Sardegna, portando con se una piacevole sorpresa.

Capita ad alcuni artisti che il passaggio generazionale si accompagni ad un cambio di visibilità tra le fila del pubblico, soprattutto se incentivato da un parallelo mutamento del settore d’interesse. Probabilmente, molti degli ascoltatori delle magnifiche stagioni “leggere” della musica italiana anni ’50 e ’60 avranno ancora buona familiarità con il nome di Bruno Zambrini, autore di alcune delle pietre miliari del genere per Gianni Morandi, Patty Pravo, Mina, Modugno e molti altri; diversamente, i loro figli e nipoti potrebbero avere difficoltà nell’identificarlo, pur avendo mandato a memoria le sue musiche per i film natalizi di Neri Parenti, così come quelle per il dittico di Notte prima degli esami diretto da Fausto Brizzi.

Claudio Simonetti non ha certo bisogno di presentazioni. Un compositore e un musicista che, pur cimentandosi in esperienze musicali diversissime fra loro, ha da sempre mostrato una particolare predisposizione ed attrazione per la colonna sonora. Legando in maniera indissolubile la sua carriera artistica a quella del maestro del brivido, il regista Dario Argento.

Simonetti ha da poco composto e registrato la nuova colonna sonora del film di Argento La terza madre, l’ultimo della trilogia horror iniziata nel 1977 con Suspiria e il successivo Inferno (1980) e che sarà nelle sale dal 31 ottobre. A missaggio ultimato, negli studi di Cinecittà, e durato ben oltre un mese, lo abbiamo intervistato “a caldo”, per darci qualche anticipazione in esclusiva sul film e parlarci in maniera più approfondita della sua nuova score.

Lo sguardo musicale di Stanley Kubrick: György Ligeti

Nella poetica cinematografica di Stanley Kubrick la musica è una presenza determinante. Di norma, salvo che nel ghetto del film musicale, la musica viene occultata e fatta emergere solo di rado pur costituendo il fondo amalgamante dei film, l’elemento che dà unità psicologica al seguito di immagini in movimento nella percezione del pubblico. Kubrick si oppone risoluto a quest’uso della musica con funzioni di “quinta sonora”, e sulla musica lavora con estrema attenzione, costruendo il film sui due piani, sonoro e visivo (1). Egli voleva «che il film fosse un’intensa esperienza soggettiva» disse «che raggiunge lo spettatore a un livello di coscienza più profondo, proprio come fa la musica» (2). Quest’affermazione del grande regista contenuta nel bel libro di John Baxter non lascia spazio ad incertezze.
La musica che costituì ripetutamente un riferimento nei film di Kubrick, a partire da 2001 Odissea nello spazio, è quella dell’ungherese György Ligeti.
Ligeti, compositore legato all’esperienza avanguardista degli anni ’60 e ’70 la cui evoluzione artistica non si è mai interrotta fino alla sua recente scomparsa, è uno dei protagonisti della musica del nostro tempo, completamente svincolato dalle produzioni cinematografiche.

SECONDA PUNTATA:
Il tramonto della Golden Age e l'inzio di una nuova era
gli anni '50 e '60 (1950-1969)

Benvenuti alla seconda parte del nostro dossier dedicato alla storia musicale degli Academy Awards, altrimenti noti come Oscar. In questa seconda puntata ci occuperemo dei due decenni definiti come “l'età d’argento” del cinema e della musica da film hollywoodiani: gli anni '50 e '60. Sono gli anni in cui il lessico e gli stilemi della musica cinematografica cominciano a cambiare: si assiste infatti ad un graduale allontanamento dalle tradizionali forme sinfoniche tardo-romantiche di stampo “straussiano-mahleriano” e si cominciano a scorgere i primi segni di una progressiva e sempre maggiore contaminazione con le strutture e le forme più recenti, a cominciare dal jazz fino ad arrivare alle influenze delle avanguardie musicali della Scuola di Vienna, di Bartòk e Stravinsky. E' anche il periodo della prima decadenza del cinema hollywoodiano, dell'avvento della crisi del cosiddetto studio system, in cui si comincia a fare strada una nuova serie di autori, registi e musicisti attratti più dalla realtà di un mondo in febbrile cambiamento che non dalla realizzazione costante di sogni con cui far evadere il pubblico. Ma sono allo stesso tempo anche gli anni d'oro della forma più “anti-realistica” che il cinema americano abbia mai concepito: il musical.

Portando la bandiera del padre

Il cognome non fa certamente venire alcun dubbio: Kyle Eastwood è proprio il figlio del grande regista americano Clint Eastwood, un nome che non ha certo bisogno di molte presentazioni. Sin dai primi anni di età, il giovane Kyle è immerso nella musica: in casa Eastwood c'è sempre un disco di musica jazz che suona.

Una mappatura, o anche solo una semplice ricognizione, di ciò che ha rappresentato l'universo-007 dal punto di vista degli apparati sonori, non può non partire dal confronto con un doppio nucleo centrale: la cui prima parte è costituita dal "James Bond Theme" composto nel 1962 dall'inglese Monty Norman, compositore all'epoca 34enne con alle spalle un paio di horror-fantasy di serie B, e che azzeccò con questo tema l'esempio più assoluto, inossidabile e immediato di associazione, diciamo pure di sinonimia, fra un "character" e un leit-motiv musicale nell'intera storia della musica cinematografica; la seconda parte trova invece la propria ragion d'essere nella natura squisitamente sperimentale, avveniristica, laboratoriale che – dal punto di vista dell'utilizzo del sonoro – caratterizza l'intera serie di 007, ma in particolar modo tutta la sua prima parte, diciamo grosso modo coincidente con l'era-"Cubby" Broccoli (o l'era-Connery, per dare agli spettatori un riferimento più agevole).
Quindi: da un lato estrema riconoscibilità, attraverso un "logo" – anche visivo – mantenuto intatto per quasi mezzo secolo; e dall'altro ricerca continua, attraverso soluzioni mutevoli e "mutanti", di un sound che "suonasse" – se ci si passa la ridondanza – sempre un passo più avanti della produzione parallela e corrente.

Inauguriamo la sezione multimediale del nostro sito con uno speciale reportage video. Venerdì 16 febbraio Colonne Sonore e La Casa del Cinema hanno festeggiato la consegna dell'Oscar alla carriera al Maestro Ennio Morricone.

Simon Boswell è uno dei più prolifici musicisti-compositori di colonne sonore. Inglese, classe 1956, ha al suo attivo ben oltre un’ottantina di soundtracks per il cinema e la televisione, fra le quali, Phenomena, Santa Sangre, Hardware, Sogno di una notte di mezza estate, Dust Devil, La chiesa, Lord of Illusions e molte altre. Ha anche prodotto delle band come i 23 Skidoo, 400 Blows and Sex Gang Children, oltre a collaborare con artisti del calibro di  Amii Stewart, Nine Below Zero, Nik Kershaw e Philip Glass.
ColonneSonore.net lo ha intervistato in esclusiva.

Presentato nel corso della 63ª Mostra del Cinema di Venezia, nella maestosa cornice del Teatro La Fenice, l’opera classica Il Flauto Magico di Mozart è stata trasformata in una spettacolare versione cinematografica, ideata e diretta da Kenneth Branagh. Il maestro James Colon ha diretto la Chamber Orchestra of Europe, mentre il cast è formato da giovani star dell’opera fra cui Joseph Kaiser, Ben Davis e l’esordiente Amy Carson, insieme ai più noti René Pape, Tom Rande, Lyubov Petrova e Silvia Moi.